Run, no debes perderte en abril esta dura y exitosa miniserie dramática inglesa

por max 11. abril 2014 08:24

 

 

Run es el nombre de la nueva serie internacional que Max nos trae en Abril. Esta vez se trata de una miniserie dramática inglesa en cuatro partes que nos trae cuatro historias interconectadas al estilo de filmes como Amores perros (2000), 21 Gramos (2003), Babel (2006) —estas tres, como ya has de saber, del mexicano Alejandro González Iñarritu—, Crash (2004) de Paul Haggis, o Traffic (2000) de Steven Soderbergh. Toda acción tiene su reacción, toda vida toca otra vida son las frases que definen esta magnífica serie en corto producida por Channel 4.

La historia nos presenta a Carol (Olivia Colman, a quien tuvimos en Tyrannosaur), una mujer sin marido pero con dos hijos que mantener, inmaduros ambos, nada comprensivos de la situación, encerrados en un mundo donde se mezclan las borracheras, las riñas y los videojuegos. Ellos, en una de esas juergas, terminarán cometiendo un terrible acto de violencia y Carol deberá tomar acciones para protegerlos. En esas vueltas del destino conectará con Ying (Katie Leung, una de las chicas de la recordada saga de Harry Potter), una inmigrante china indocumentada lanzada a la calles de Brixton mal vendiendo aparatos robados no para hacerse de algo de dinero sino para pagar su deuda con Los cabeza de serpiente, es decir, la mafia china. En algún momento, una redada la dejará sin amigos ni conocidos, y ella buscará refugio en Jamal, dueño de una barbería. Luego conoceremos a Richard (Lennie James, y a quien hemos visto en las series Hung, Jericho y The Walking Dead), un adicto a la heroína en recuperación diaria y dura, que intenta volver a ver a su hija. El dolor que le produce tal necesidad, lo pondrá al borde de la recaída. Y ya en el capítulo final, conocerás a Kasia (Katharina Schüttler, quien hace de Greta en Generation War), una joven polaca que ha ido viendo cómo mueren sus grandes esperanzas de triunfar en Londres, y que terminará manejando un secreto que le podría costar la vida.

Pero esto es apenas un esbozo, porque además, entre ellos, se establecerá esa conexión existencial y argumental que nos demostrará que sin duda toda acción tiene una reacción y que toda vida toca a otras vidas y, a veces, las cambia para siempre.

Run, suprema miniserie inglesa, a partir del miércoles 16 de abril, en estreno exclusivo en Max.

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Room 237, un documental sobre las claves secretas detrás de El resplandor de Stanley Kubrick

por max 10. abril 2014 07:01

 

Te digo, esto, de verdad, no puedes perdértelo. Si quieres, no veas el resto de la programación de Max este mes, pero lo que es Room 237 (2012), primer largometraje de Rodney Ascher, tienes que verlo. DEBES verlo, es obligatorio. Estamos ante un documental que explora los supuestos significados ocultos de una obra maestra del cine, nada más y nada menos que el film de horror El resplandor (The Shining) de Stanley Kubrick, esa maravilla que todavía hoy día, desde su estreno en 1980, nos fascina y nos hace pensar en sus significados.

¿Pero se trata entonces de un documental fastidioso que hace crítica o análisis del cine? Pues no, en realidad el asunto es bastante divertido. Ascher lo que ha hecho es unir a cinco fanáticos del cine de Kubrick, o más bien de la película de Kubrick y los ha puesto a decir lo que ellos creen que han descubierto. Resulta que lo que ellos creen haber visto es bastante simpático y delirante. Ascher, cabe decir, no se burla, pero los pone allí, a hablar, y muestra, en la medida que ellos van hablando, las imágenes, las escenas de la película donde ellos dicen que están las claves.

¿Cuáles claves, qué descubren y quiénes? Pues se trata de cinco personas, como ya dije; ellos son Bill Blakemore, quien cree que El resplandor en realidad habla de la matanza genocida de los nativos americanos, al basarse en las decoraciones del mismo hotel Overlook; Geoffrey Cocks, quien analiza que de lo que se habla allí es del holocausto nazi; Juli Kearns, quien relaciona el laberinto de la película con el Minotauro (cosa no tan descabellada pero más que obvia); John Fell Ryan, quien ha descubierto que si sobre impones varias escenas diferentes, una hacia adelante y la otra hacia atrás se forman unas muy particulares coincidencias; y Jay Weidner, quien argumenta que la película es una gran confesión cifrada de Kubrick que nos dice que él fue quien dirigió el supuesto aterrizaje falso del Apollo 11 en la luna —como sabes, esta es una de las más famosos teorías de la conspiración.

¿Será cierto todo esto? ¡No importa!, es divertido entrar en esas mentes y conocer lo que ellos piensan. Te puedes reír o puedes llevarte un susto, así como lo hizo Jack Torrance cuando se atrevió a entrar en la habitación 237…

 


¡Pero espera! Acá no se termina todo. Una vez que veas el documental, quédate en Max. ¿Por qué? Porque inmediatamente podrás ver la obra en cuestión, es decir, El resplandor, lo que te permitirá, por supuesto, volver a mirar donde los cinco fanáticos y «expertos» en Kubrick, te dicen que debes mirar.

Ya lo sabes, Room 237, este martes 15 de abril, en estreno exclusivo por Max. (Y a continuación, El resplandor).

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Holy Motors, misteriosa y apasionante película de director de culto francés Léos Carax

por max 9. abril 2014 04:31

 

¿Quién es el señor Oscar? Pues el señor Oscar es un actor que no gana premios Oscar, pero que está muy ocupado actuando en el misterioso y apasionante film Holy Motors (2012) del cineasta Léos Carax, antiguo chico terrible del cine francés que vuelve a la gran pantalla luego de trece años de ausencia. Su último trabajo fue Pola X (1999), film por el que recibió nominación a la Palma de Oro en Cannes. Aunque en realidad él ya era conocido allí desde 1984, cuando le fue otorgado el Premio de la juventud (claro, entonces tenía 24 años).

Carax ha hecho pocas películas, pero cada vez que entrega una ha obtenido siempre la venia de la crítica y de sus seguidores. Mauvais sang (1986) protagonizada por Juliette Binoche y Denis Lavant se llevó varias preseas en el festival de Berlín, y Les amants du Pont-Neuf (1991), protagonizada también por Binoche y Lavant, fue nominada para el BAFTA y para los César. Sin temor a equivocarme, podríamos decir que Léos Carax entra en la categoría de autor de culto.

¿De qué trata Holy Motors? Pues de un actor que se llamar Oscar (repite acá Denis Lavant), que va en una limusina y que, durante las horas que nos toca andar con él, tiene nueva citas, nueve papeles que asumir, o así por lo menos nos lo asegura Céline (Édith Scob), la dama rubia y elegante que conduce la limo. No dejemos escapar los siguientes detalles: el film comienza con el mismo Léos Carax despertándose y pasando a través de una grieta a una sala de cine. Carax, aquí el gran detalle, se llama en realidad Alex Oscar Dupont. Léos Carax es un anagrama de Alex Oscar.

Sigamos: tal como si fuera un asesino a sueldo, el señor Oscar irá esa noche a distintas locaciones de París y allí interpretará distintos papeles. La única diferencia es que allí no hay director, ni público, ni cámaras: él simplemente interpreta con otras personas (¿otros actores?) escenas donde los límites entre la actuación y la realidad se han desdibujado. Así, en el transcurso de la noche, este actor interpretará a una anciana que pide limosna, a otro actor que se pondrá uno de esos trajes que capturan los movimientos del cuerpo para luego llevarlos a 3D en cine o videojuegos —bailará al estilo de una película musical, hará piruetas a lo slapstick, representará movimientos de artes marciales y hasta se ejercitará en una sesión pornográfica—, a un vagabundo casi troll que se enamora de una modelo (interpretada por Eva Mendes) y la secuestra, a un anciano en su lecho de muerte, a un padre que discute con su hija luego de recogerla en una fiesta y quizás a él mismo cuando se encuentre con Jean (encarnada por la estrella pop australiana Kylie Minogue), otra actriz con la que al parecer tuvo algún romance en el pasado.

El señor Oscar lleva a cabo sus papeles a la perfección, pero también se ve afectado por esa falta de bordes entre el arte y la realidad. En algún momento él dirá que lo único que todavía lo mantiene allí, es la belleza del gesto, ese motor que mueve su vida.

Holy Motors es una joya cinematográfica del género fantástico que te inquietará, te maravillará, y sin duda, te mantendrá en suspenso, con ganas siempre de saber qué va a ocurrir a continuación.

Holy Motors, este domingo 13 de abril, en estreno exclusivo por Max.

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A Prayer for Rain, película dramática que recrea el desastre gasífero de Bhopal

por max 3. abril 2014 09:51

 

Esta es una cinta de un director indio que se desarrolla en la India, pero acá nadie sale bailando ni cantando. A Prayer for Rain (2013) es un poderoso drama dirigido por Ravi Kumar que recrea los fatídicos hechos del desastre gasífero de Bhopal.

El 3 de diciembre de 1984 en la región de Bhopal se produjo en la fábrica de pesticidas Union Carbide, una terrible fuga de isocianato de metilo y éste, al entrar en contacto con la atmósfera, se descompuso en gases tóxicos que generaron una nube letal que empezó a recorrer a ras de suelo la ciudad. Miles de personas y animales murieron de forma casi inmediata y otras en accidentes durante la desesperación de la huida. Se cree que fallecieron ocho mil personas en la primera semana y otros 12.000 posteriormente por causas de la secuela dejada por los gases. En total, se calcula que murieron unas 25.000 personas y se vieron afectadas unas 600.000.

Kumar monta varias historias sobre la base de este terrible momento, para mostrarnos las causas, el drama y las consecuencias. Aquella fábrica, cabe destacar, era propiedad de un grupo norteamericano que, en negocios estrechos con los políticos de la región, estableció la operación en medio de una zona marginal, cuyos habitantes recibieron felices la buena nueva en los años setenta. Necesitaban trabajo, necesitaban infraestructuras (agua, calles) que la compañía les dio. Allí tenemos a Martin Sheen, conocido luchador por los derechos de los más necesitados, haciendo de empresario norteamericano que se comporta bajo los parámetros de una extraña moral filantrópica y al mismo de un cruel raciocinio netamente egoísta. Tenemos también a Mischa Barton haciendo de una periodista que va recorriendo los lugares de la tragedia, y a varios trabajadores de la fábrica y a los políticos de la zona, cada uno representando respectivamente la búsqueda de la verdad, el drama de la pobreza y la ceguera del poder y la corrupción.

Un drama que sin duda te estremecerá y te hará conocer una de las tragedias industriales más terribles que se le hayan presentado a la humanidad… Por cierto, justamente en 2014, se cumplen 30 años de tan fatídico hecho.

A Prayer for Rain, este domingo 6 de abril, por Max.

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Make it Funky! Magnífico documental que celebra la maravillosa música de Nueva Orleans!

por max 31. marzo 2014 08:30

 

Nueva Orleans es sin duda uno de los sitios más musicales de Estados Unidos de América… Ni siquiera, es en realidad uno de los sitios más musicales del mundo. Si nos ponemos a pensar en música en general, nos llega una isla: Jamaica, de donde proviene el ska y el reggae, o una ciudad, Nueva York, donde reventó la salsa… Pero sin duda, cuando nos toca pensar en jazz, nos viene en primer lugar, Nueva Orleans.

El documental Make it Funky! (2005) de Michael Murphy no sólo celebra el jazz de esta magnífica ciudad, sino toda, toda su tradición musical, que va mucho más allá del jazz y que abarca la influencia africana, del Caribe, la francesa y géneros como el blues, el gospel, el pop y por supuesto, el jazz.

Narrado por Art Neville, el legendario cantante y tecladista originario de Nueva Orleans, el documental se va montando en base a imágenes de la ciudad, sus esquinas, sus calles, su comida, su arquitectura y a una buena cantidad de entrevistas a importantes artistas de la ciudad y del mundo tales como Earl Palmer, Allen Toussaint, Irma Thomas, The Meters, Little Richard, Walter "Wolfman" Washington, Snooks Eaglin, Bonnie Raitt, Keith Richards y hasta los mismos Neville Brothers; todo ello en el marco de un concierto de estrellas que se celebró en 2004 con el fin de celebrar, precisamente, la riqueza musical de la fascinante Nueva Orleans.

Make it Funky!, el martes 1ero de abril, por Max.

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Short Term 12, un drama sobre la juventud perdida que te conmocionará

por max 28. marzo 2014 14:40

 

Un drama duro sobre la adolescencia perdida o en busca de recuperación, esto es Short Term 12 (2013), el film del joven director Destin Daniel Cretton. La cinta toma el punto de vista de Grace (Brie Larson), una joven veinteañera que se desempeña como supervisora en un centro de atención de adolescentes huérfanos o que han sido maltratados por sus familiares. Grace es una muchacha humanitaria, trabajadora que está muy a gusto con su empleo. Ella estuvo en la misma situación que los chicos a los que cuida y ahora sólo desea devolver el favor que se le hizo a través de ellos. También intenta estar a gusto en tanto se pueda con su novio Mason (John Gallagher Jr.). No obstante, en ella se mueven sus propios tormentos, su pasado conflictivo, que late allí como herida y que empezará a surgir con la llegada de nuevos miembros a la comunidad, en especial Jayden (Kaitlyn Dever), una chica inteligente y problemática en la que Grace verá mucho de lo que ella fue y que quizás siga siendo. Una historia compleja, sin efectismos, bien pensada, con personajes trabajados a fondo, al igual que el tema del amor, el pasado, la redención y el dolor. Te conmoverás y, sin duda, también sentirás que los vellos de los brazos se te erizan.

Cabe destacar que Short Term 12 está basado en el documental del mismo nombre que Cretton lanzó en 2008 y que contó con el premio en Sundance a Mejor trabajo como cortometraje en 2009, y con un reconocimiento especial de la Academia de Hollywood en 2010, así como otros tantos reconocimientos en festivales. Tal éxito hizo que el director llevará su historia a largometraje. Resultado: una magnífica cinta independiente que te agradará y conmocionará. Por cierto, el largo también tuvo un éxito rotundo en los festivales alrededor del planeta. En la mayoría de ellos, cabe decir, Brie Larson se llevó el premio a Mejor actriz; incluso se llegó a comentar que había sido tan buena su actuación que merecía una nominación al Oscar.

Short Term 12, este mes, por Max.

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Ellas, cinta sensual y dramática protagonizada por Juliette Binoche

por max 27. marzo 2014 05:13

 

Ellas (Elles, 2011) de Malgorzata Szumowska nos cuenta la historia de Anne, interpretada por Juliette Binoche, una mujer profesional y casada que escribe para una revista femenina temas de actualidad, y que un día decide escribir un artículo sobre la prostitución. Allí comenzamos a conocer a Lola (Anaïs Demoustier) y Alicja (Joanna Kulig), dos jóvenes que se prostituyen para pagar sus estudios. Estos dos mundos se unirán y su fusión afectará a todas, pero en especial a Anne, quien empezará a mutar espiritualmente, a sentirse arrasada por deseos que nunca antes había sentido ni dejado salir. En las figuras de Lola y Alicja, cabe decir, descubrirás una realidad que se sale de los lugares comunes de la prostitución.

El mundo del negocio carnal que se nos muestra no es necesariamente abismal, pero sí intenta ser objetivo: las chicas tienen dinero, se están pagando sus estudios, tienen ropas, se dan sus lujos, no todos los clientes quieren sexo ni las maltratan. No obstante, también entendemos que el oficio las afecta en el plano amoroso, familiar e incluso inconsciente. Cada chica, eso sí, es diferente. Una más desenfadada, la otra más tímida, una es francesa, la otra extranjera, y ambas enfrentan su condición de distinta manera.

Ahora, si bien estas dos actrices hacen un despliegue de actuación valioso (Joanna Kulig ganó el premio a Mejor actriz de reparto en los Polish Films Awards), la mayor hondura dramática le toca a la gran Juliette Binoche, quien viene desarrollando su carrera desde los años ochenta y cuenta con más de cincuenta filmes en su haber. Su carrera internacional comenzaría proyectándola como una actriz bella que iluminaba la pantalla con su inocencia en filmes como The Unbearable Lightness of Being (1988), cinta de Philip Kaufman basada en la novela homónima de Milan Kundera. Sin embargo, desde sus primeros momentos la Binoche quiso demostrar que aspiraba a más y, en 1992, interpretó un rol mucho más complejo en Damage de Louis Malle, donde ella no sólo desplegó su lado dramático sino también sexual. Binoche es igualmente conocida por ser la primera de las chicas Kieslowski (la otras dos serían Julie Delpy e Irène Jacob) en la trilogía de los tres colores, en este caso Blue (1993). Poco después, en 1997, The English Patient (1996) de Anthony Minghella, le dio el BAFTA y el Oscar a Mejor actriz de reparto, así como nominación en el Golden Globe.

Juliette Binoche es sin duda una de las actrices francesas más importantes de la actualidad y en Ellas vuelve a comprobar su capacidad para representar la pasión sexual y las confusiones del alma. Ellas es sin duda una cinta cruda y sensual que le da una mirada directa a la mujer contemporánea, sin menosprecios, sin poses y sin feminismos panfletarios.

Ellas, este mes, por Max.

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Upstream color, segunda joya cinematográfica dirigida por Shane Carruth

por max 20. marzo 2014 07:21

 

No puedes perderte este mes en Max, Upstream color (2013) de Shane Carruth. Se trata de una especie de thriller que no es thriller, de una película de ciencia ficción que no es de ciencia ficción y de un drama romántico que no es romántico… Esta película del genial Carruth, querido amigo, no tiene clasificación y por lo tanto es absolutamente fascinante.

Shane Carruth alguna vez fue ingeniero, pero siempre quiso hacer cine. En 2004 reunió siete mil dólares y se lanzó a hacer su primera película, a la que título Primer (aquí puedes ver el tráiler), una cinta también de ciencia ficción sin mayores efectos especiales pero con mucho arte de guión acerca del invento de una máquina del tiempo que es utilizada con fines poco humanitarios. Primer fue presentada en el festival de Sundance y de inmediato se convirtió en la sensación del momento, lo que hizo que ganara el Gran premio de jurado a Mejor película. Nueve años después —sí, nueve años después— Carruth nos entregó su segunda cinta. Se dio su tiempo, pero nos entregó otra maravilla, una película que continúa su búsqueda dentro de lo que es esa ciencia ficción minimalista llena de imágenes poéticas e impactantes. ¿La historia? Pues bien, cierta noche, Kris (Amy Seimetz) es secuestrada e hipnotizada —o drogada— por un personaje que la pone a realizar actividades absurdas (como hacerle beber agua creyendo que el agua es un líquido delicioso, o ponerla a transcribir la novela Walden de Henry David Thoreau), al tiempo que la va despojando de sus bienes. En cierto momento, ella descubrirá que lo que ha servido para dominarla son unos gusanos que lleva por dentro. Luego despertará abruptamente en otro sitio. Ya para entonces será demasiado tarde: Kris ha sido despojada de todo su dinero y ha perdido su trabajo. Más tarde será atraída a una granja donde un personaje identificado como The Sampler (Andrew Sensenig) le extraerá sangre y se la inyectará a unos cerdos. Ella volverá a despertar en otro sitio y no tendrá claro sus recuerdos. Un año después, se encontrará con Jeff (el mismo Carruth), quien también parece haber sufrido algo muy similar a lo de ella. Juntos intentarán llenar los vacíos de su memoria, lo que es igual a irse descubriendo a sí mismos y hasta lo peligrosos que pueden llegar a ser.

¿Quieres más? Creo que no hace falta, a quienes nos gusta este tipo de historias ya estamos fascinados con este pequeño bocado, con esta historia que pareciera ser una metáfora de las formas de control, de la imposición de gustos (la publicidad, por ejemplo, te "inyecta" productos y marcas siempre más refrescantes y deliciosas que el agua), creencias y convicciones de mundo.

Se trata sin duda de una joya cinematográfica que Charruth escribió, dirigió, actuó, fotografió, musicalizó, mercadeó y distribuyó, y que al final obtuvo una buena cantidad de nominaciones en distintos festivales, así como el premio Citizen Kane como Director revelación en Sitges (festival de cine fantástico) y el premio Especial del jurado en Sundance por el diseño de sonido.

Upstream color, este mes, en estreno exclusivo por Max.

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Leonie, tercer film del ciclo dedicado a la mujer protagonizado por la estupenda actriz Emily Mortimer

por max 17. marzo 2014 06:47

 

Este mes Max presenta en el ciclo dedicado a la mujer, Leonie (2010), una cinta dirigida por Hisako Matsui, que recrea la vida de la educadora, editora y periodista norteamericana Leonie Gilmour, una gran mujer que no creía en fronteras humanas y que siempre creyó que el arte es uno de los medios más importantes para entender la realidad e incluso superarla. El rol de Leonie lo interpreta la magnífica actriz británica Emily Mortimer, a quien hemos visto en los últimos años trabajando para directores de la talla de Woody Allen en Match Point (2005) y de Martin Scorsese en las cintas Shutter Island (2010) y Hugo (2011). Emily es una actriz de carácter, educada en Oxford en literatura inglesa y rusa, que calza muy bien para interpretar a esta mujer luchadora que tuvo un romance con el laureado poeta japonés Yone Noguchi (Shido Nakamura), con quien tuvo un hijo y tras quien se fue a vivir a Japón por petición del él mismo en tiempos de conflictos internacionales (sin embargo, al llegar, ella descubrió que él estaba casado con una mujer japonesa). Leonie Gilmour padeció la discriminación racial (hacia ella y hacia sus hijos) y luchó contra los patrones culturales de un país donde la mujer estaba totalmente sometida al hombre. Con todo, ella siempre tuvo en mente la educación de sus hijos como personas que podían crecer espiritualmente y ser libres a través de la mirada única que da el arte.

Hisako Matsui parte, al inicio de la cinta, con unas de las herencias fundamentales de Leonie a la humanidad: su hijo, el arquitecto y escultor Isamu Noguchi (Jan Milligan), quien por cierto —permíteme el pequeño detalle— trabajó en la compañía del empresario Herman Miller junto con Charles Eames, otro arquitecto y diseñador de nuestros tiempo sobre quien pudimos ver, recientemente en Max, el documental Eames: The Architect and the Painter (2011). Noguchi, entre tanto cosas, es el creador de la famosa mesa Noguchi (puedes verla acá).

A partir de este gran artista, la cinta comienza un recorrido hacia el pasado, pues Noguchi nos contará su historia, pero principalmente la de su madre, esa mujer que luchó por ser ella, que se sacrificó por el amor a un hombre y, sobre todo, por el amor a sus hijos, a quienes educó de manera tal que los hizo destacar grandemente en la vida (Leonie fue también madre de la gran bailarina Ailes Gilmour, cuyo padre, tengo entendido, aún se desconoce pues así lo decidió su madre).

Leonie, dentro del ciclo de cine dedicado a la mujer, este mes, por Max.

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Like Someone in Love, la más reciente obra de Kiarostami trabaja la tensión de un triángulo amoroso

por max 13. marzo 2014 07:57

 

Este mes en Max, nos llega Like Someone in Love (2012), nada más y nada menos que el más reciente largometraje del iraní Abbas Kiarostami, uno de los más importantes directores del cine contemporáneo. Kiarostami, quien tiene una carrera que se inicia en los años setenta y que cuenta como más de cuarenta trabajos, entre cortos y largos, ha ganado premios tan importantes como la Palma de oro en Cannes por Ta'm e guilass en 1997, o como los cuatro galardones (El premio especial del jurado, el FIPRESCI, el OCIC y el CinemAvvenire Award) que obtuvo en 1999 por Bad ma ra khahad bord, además de una buena cantidad de premios y nominaciones en estos y otros festivales importantes del planeta.

Mientras que su largometraje anterior, Copia Certificada (Copie conforme, 2010) —que pudimos disfrutar en Max hace poco—, se salía de su país de origen, Irán, y se instalaba en Italia para contarnos una historia de personas heridas que juegan a representar en breve una larga historia de amor, en Like Someone in Love —también nominada en Cannes a la Palma de Oro en 2012— el cineasta nos lleva a Japón para contarnos lo que parece ser un triángulo amoroso. Y digo «parece» porque en realidad en esta cinta las relaciones se confunden y pasan a ser otra cosa en la mentira. Tú, como espectador, sabrás que es verdad y que no: Akiko (Rin Takanashi) es una chica que estudia sociología en la universidad y que trabaja por las noches de dama de compañía. Noriaki (Ryō Kase) es su novio, y él algo sospecha, pero igual esas sospechas se unen a sus celos desmedidos y por los momentos tienen poco efecto. Pero luego todo se complica cuando a Akiko se le asigna de cliente el señor Takashi (Tadashi Okuno), un ex profesor suyo, un hombre mayor muy honorable. Pero el problema no es el señor Takashi, el problema es que al día siguiente el profesor y el novio se encontrarán y el novio confundirá al honorable profesor con el padre de Akiko, lo que llevará a que la mentira se mantenga y a que por supuesto la trama se enrede mientras esa mentira esté allí, montada sobre la cuerda floja.

Un film dramático que te atrapará gracias a esa tensión que implica el descubrimiento de una mentira, otra obra maestra de uno de los realizadores más importantes del mejor cine de nuestros años.

Like Someone in Love, este mes, por Max.

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